Патрисия Шишманова.
Москва. 2007 год.

В 1892 году Шарль Вапро отправляется в путешествие, во время которого он пересечет весь континент от Пекина до Парижа за 112 дней. Вместе со своей женой Мари и китайским помощником Ханом они посещают Японию, Корею, Владивосток, Сахалин и выходят к устью реки Амур, вдоль которой они проходят от Николаевска до реки Шилка. После этого они пересекают Сибирь, побывав в Иркутске, Красноярске, Томске, Тобольске, Тюмени, а затем в Нижнем Новгороде, Казани, Москве и Санкт-Петербурге.
Из своей экспедиции Шарль Вапро привозит 150 негативов 18х24, которые он снял благодаря фотоаппарату, выбранному Полем Надаром. Эти фотографии вместе с рассказом о путешествии были опубликованы в 1894 году в журнале «Вокруг света». Эти же снимки появились впоследствии в 1896 году в статье, посвященной Амурскому краю, в энциклопедии «Живописная Россия», но без указания на автора фотографий.
Спустя сто лет забвения, негативы этих фотографий были приобретены на аукционе коллекционером Арно Жибо, увлекающимся Китаем. Проданные за 10 евро, эти негативы, сваленные в коробку, были, таким образом, спасены от неминуемого уничтожения. Только в 2006 году Патрисия Шишманова отнесет авторство этих фотографий Шарлю Вапро.
Коллекция Жибо представляет собой 60 фотографий, среди которых не только фотографии, сделанные во время путешествия Шарля Вапро, но и фотографии, снятые во время его пребывания в Китае, а также снимки Китайского Павильона во время Всемирной Выставки в 1900 году.

Выставка «Пекин-Амур-Париж» работает с 25 июня по 25 июля.

Время работы Воронежского музея им. Крамского:
часы работы: с 10.00 до 18.00,
пятница с 11.00 до 18.00,
выходные: понедельник, вторник.
Телефон для справок: 55-38-67.

Выставка организована Французским культурным центром в Москве, арт-группой «Квадрат» и Воронежским художественным музеем им. Крамского при поддержке Посольства Франции.
Партнеры выставки: Компания «TNT Express», экспертный центр «Стратегия», Радио 7 (Воронеж), журнал «Дорогое удовольствие», газеты «Теленеделя», «Аргументы и факты», «Коммуна».

В 1892 г. Шарль Вапро совершил свое эпохальное путешествие – за 112 дней он пересек континент от Пекина до Парижа. Он проехал через Японию, Корею, Владивосток, Сахалин, затем он пересек Сибирь и проехал через Иркутск, Красноярск, Томск, Тобольск, Тюмень, затем Нижний Новгород, Казань, Москву и Петербург.
Из своей экспедиции Шарль Вапро привез 150 негативов 18х24, которые он снял благодаря фотоаппарату, выбранному самим Полем Надаром. На основе его фотографий были сделаны гравюры, которые вместе с рассказом о путешествии были опубликованы в журнале «Вокруг света» в 1894 году. Эти же снимки появились в последствии в 1896 году в статье, посвященной Амурскому краю в энциклопедии «Живописная Россия», но без указания на автора фотографий.
После векового забвения негативы его фотографий были приобретены на аукционе коллекционером, интересовавшимся Китаем, Арно Жибо. Эти негативы, сваленные в коробку, были, таким образом, спасены от неминуемого уничтожения. Только в 2006 году Патрисия Шишманова отнесет авторство этих фотографий Шарлю Вапро.
На выставке будет представлена коллекция Жибо, которая составляет 60 фотографий: фотографии из путешествия Шарля Вапро, а также фотографии, снятые в его резиденции в Китае и фотографии Китайского павильона Всемирной выставки 1900 года.
Выставку фотографий Шарля Вапро уже увидели жители Владивостока, Иркутска, Екатеринбурга, Перми, Казани, Ростова. После Воронежа выставка отправится в Нижний Новгород, Архангельск, Мурманск и Москву.

Выставка «Пекин-Амур-Париж» работает с 25 июня по 25 июля.

Время работы Воронежского музея им. Крамского:
Часы работы: с 10.00 до 18.00,
пятница с 11.00 до 18.00,
выходные: понедельник, вторник
Телефон для справок: 55-38-67

Выставка организована Французским культурным центром в Москве, арт-группой «Квадрат» и Воронежским художественным музеем им. Крамского при поддержке Посольства Франции.
Партнеры выставки: Компания «TNT Express», Экспертный центр «Стратегия», Радио 7 (Воронеж), журнал «Дорогое удовольствие», газеты «Теленеделя», «Аргументы и факты», «Коммуна».

Радио «Воронеж» при участии студии звукозаписи «Эрика» и арт-группы «Квадрат» решили выразить любовь и уважение к поэту самым естественным способом – чтением его стихов. В течение двух недель по Радио «Воронеж» будут транслироваться стихи Иосифа Бродского, которые будут декламировать известные деятели культуры Воронежа. В том числе – директор художественного музея имени Крамского Владимир Добромиров, главный режиссер Камерного театра Михаил Бычков, воронежские художники Алексей Загородных, Сергей Горшков и Евгений Камбалин, чайный мастер Татьяна Славуцкая. А также местные поэты, музыканты и актеры – люди, благодаря которым Воронеж остается одним из культурных центров страны, местом притяжения для многих людей.

Формально Воронеж и Бродского не связывает практически ничего. Разве что старый Питер Бродского во многом похож на старый Воронеж – имперский, служивый город, подавляющий и вдохновляющий своим ампиром. Разве что Мандельштам – один из любимых поэтов и отчасти учитель Бродского. «Если честно, я не знаю ничего в мировой поэзии, что может сравниться с откровением четырех строк из «Стихов о неизвестном солдате»… За спиной Мандельштам ощущал отнюдь не близящуюся «крылатую колесницу», но свой «век-волкодав», и он бежал, пока оставалось пространство. Когда пространство кончилось, он настиг время», – писал Бродский о «Воронежских тетрадях».

Кроме того, и это, вероятно, важнее, Воронеж – город, где любят стихи, город, практически во все времена занимавший важное местно на литературной карте России.

«Участники акции, при том, что они профессионально связаны с искусством, одновременно – «обычные читатели». В большинстве – отнюдь не профессиональные декламаторы. Но – они, как и многие другие, любят читать и слушать стихи, – говорит один из организаторов, лидер арт-группы «Квадрат» Дмитрий Большаков. – И когда в городском пространстве зазвучит поэзия Бродского, это станет своеобразным сигналом «заговорщикам» – другим ценителям стихов и поэтической жизни, которых в нашем городе достаточно много».

«Отличная идея. Вполне сегодняшняя акция, в смысле своей открытости, простоты и бесстрашия. Никто из ее участников не боится, что люди на улицах не поймут Бродского. Это будет встреча горожанина и поэта, – считает режиссер Камерного театра Михаил Бычков. – Должен признаться, что при всей своей любви к поэзии я перед Бродским немного робею. Предполагаю, что не до конца смогу в него проникнуть. Читаю его я нечасто, от случая к случаю. Но каждый раз говорю себе – Господи, это же мой поэт и все здесь просто и понятно. Для меня пока открыта лишь малая часть его творчества, но, надеюсь, мне предстоит еще немало открытий. Хорошо если эта акция откроет еще кому-то такую приятную перспективу».

«Впервые я прочитал стихи Бродского в 80-е годы, когда их привозили в Воронеж в машинописных распечатках. Первым был, наверное, цикл римских стихов, – вспоминает директор музея имени Крамского Владимир Добромиров. – И в восприятии Бродского не было ореола мученика. Мне он понравился сразу именно образно-поэтическим и философским осмыслением мира. У Бродского в самых простых стихах, например о мотыльке, есть человеческая и даже общечеловеческая драма. С тех пор Бродский среди моих любимых авторов. Я думаю у нас он еще не открыт до конца. Хотя, конечно, Бродский – автор элитарный, чтение его стихов, при всем эстетическом удовольствии, которое они несут, это прежде всего работа. И мы все только начали ее делать».

По словам организаторов акции, в ближайшем будущем воронежцев ожидает еще несколько важных поэтических юбилеев, и, вероятно, в их праздновании примут участие не только деятели культуры, но и учителя, бизнесмены, врачи, чиновники, студенты.

Организаторы акции:
Арт-группа «Квадрат» (www.arte-cuadro.ru)
Студия академической звукозаписи «Эрика» (www.erika-studio.ru)
Радио «Воронеж» (www.radiovrn.ru)

Некоторые аудио-ролики:
Михаил Бычков:

Владимир Добромиров:

Альбина Синева:

Анатолий Абдулаев:

Татьяна Славуцкая:

В рамках акции стихи Иосифа Бродского читают:
директор Воронежского художественного музея им. Крамского Владимир Добромиров, художественный руководитель Камерного театра Михаил Бычков, актеры Анатолий Абдулаев, Борис Алексеев, Андрей Мирошников, художники Алексей Загородных, Сергей Горшков, Евгений Камбалин, Маргарита Домбровская, поэты Альбина Синева, Александр Анашевич, редактор радио «Воронеж» Вячеслав Амелькин, директор библиотеки ВГУ Аркадий Минаков, продюссеры и арт-менеджеры Александр Лукинов, Денис Субботин, Дмитрий Большаков, музыкант Владимир Шабашов, директор чайного клуба «Золотая черепаха» Татьяна Славуцкая, директор галереи «Х.Л.А.М.» Алексей Горбунов.

Ярослав, так что же такое честное музыка?
Ох, сложный вопрос. Музыка ведь только отчасти может быть честной. Это же другое измерение, которое невозможно измерять понятиями «честности» или «нечестности». Честным может быть только желание человека, творящего музыку, высказаться на сто процентов. Если он выкладывается весь, доставая самое сокровенное – тогда это честность.

Думаю, со мной многие согласятся, что ключевым моментом местного фестиваля стало выступление Сергея Старостина. В Воронеже его, прямо скажем, заждались… И сидя в зале, я раз десять услышала: «слезы наворачиваются…»
Вот это глубокое искусство, настоящее. Исполняя музыку отчасти – подчеркиваю, отчасти – простую, народную, он задевает глубинные струны, где-то на уровне подсознания находящиеся.

Как ты считаешь, это есть изначально в народной музыке, или привнесено музыкантом?
Народная музыка такова. А Старостин – искренний, настоящий человек. Без налета городской «человечности». Понятно ведь, что у нас сейчас происходит определенная подмена ценностей: и честность у нас немножко другая, и музыкой мы называем зачастую не истинные произведения, а непонятный суррогат какой-то, который несется в уши, создавая ощущение праздника умственно отсталых. Смотришь, как тридцатилетние дяди, люди с огромным словарным запасом и жизненным опытом, несут со сцены сущую ахинею. Я не верю, что взрослый человек чувствует так тупо и примитивно, как подчас выражает это в музыке.

Думаю, любой человек наедине с самим собой способен честно разобраться со своим мироощущением. Но потом вспоминаются «законы жанра, правила и понятия», не тобой придуманные – вот и получается фальшь… Это не только к музыке относится. Страшно заиграться во все это и потерять честность и искреннюю интонацию.
Вот именно. Я считаю, что на фестивале, все, от ноты до ноты, было честно. Вспомни, как воздействовали на аудиторию такие абсолютно непохожие музыканты как Сергей Старостин и Борис Саволделли. В фольклорных песнях, которые исполнял Старостин, нет никакой развлекухи. Борис же на его фоне поначалу выглядел немного легкомысленно, чудаковато и по-шоуменски. Но через пару минут было понятно, насколько музыка его искренна и действительно идет из глубины души. В ней столько радости! И он прекрасный вокалист. И как он это органично, хорошо и со вкусом делал! Все сомнения в честности отпали. В том, что делает Саволделли, нет поверхностности.

Давай следующую часть нашего душевного разговора про честность посвятим молодому литовскому проекту InSeach…
Литовцы умницы! Это тот случай, когда школа не засоряет мозги, а дает необходимую базу. Многие же видят в школе единственно правильный путь. Мне кажется, это губительная позиция, воспринимать конечной истиной мнение педагога – в этом случае трудно научиться включать мозги. Даже если ты просто исполнитель, то не имеешь права слепо верить авторитету. Ты же пропусти это через себя! Тут у старших могут негативные чувства возникнуть: «Почему вы мне не верите?» Да верю я. Но это должно стать и моей верой тоже! Моим эмоциональным и духовным переживанием. Или не стать…
Так вот литовцы. Они молодые, образованные и очень свободные. Чистые умы и души, ищущие и идущие в том направлении, куда, как мне кажется, надо идти. Они полны собственных идей и желания их реализовывать. Ну, там чувствуются джазовые корни, что-то из британского рока. Но это все неважно. Они же в итоге создали свою, ни на кого не похожую музыку.
А что касается привычки классифицировать мир с точки зрения существующих понятий, стилей и направлений, то это плохо. И не только по отношению к музыке. Плохо, когда начинают сравнивать и оценивать по тем терминам, которые застряли в голове. Да нет, люди дорогие! Вы забудьте все, что вы знали! Из джаза ли это сплетено или чего другого, из чьих интонаций и где вы их слышали – забудьте всю эту труху! Представьте, что раньше никакой музыки не было – вот они первые вышли и начали играть. И слушайте чистым сердцем. Мне кажется, это единственная возможность правильного восприятия. И тогда вы поймете, что эта новая музыка, которая не укладывается ни в какие стилистические рамки – она не «ниже качеством» и не «дешевле». Она просто другая.

«Музэнерго», скажем прямо, не представил ни одного музыканта или коллектива, играющих джаз в более-менее привычном понимании. Во всяком случае, его не было в Воронеже. Почему? Возможно, из-за твоего достаточно критического взгляда на традиционную джазовую музыку?
Боп, хардбоп и так далее… Всех бесчисленных музыкантов 60-70-80-х я перестаю различать на пятой минуте прослушивания . Потому что почти вся их музыка имеет под собой одну и ту же гармоническую основу. У нее одни и те же тональные соотношения, тяготения. Одинакова она. Причем раньше, в 30-40-е годы было иначе: музыка, с одной стороны, была «сырее» и тональные соотношения в ней проще, но с другой стороны, в ней присутствовало более яркое движение. Но дальше, когда вся эта простая схема перехода из тональности в тональность, которая называется квинтовым кругом, обросла бесконечной альтерацией, то вместо того, чтобы расшириться гармонически и стать действительно музыкой без границ, она почему-то превратилась в какую-то мутно-серую кашу.
Конечно, это далеко не ко всем джазовым музыкантам относится. Я не беру Телониуса Монка, Джона Колтрейна, и еще десяток других. Эти люди обладали яркой индивидуальностью. Гением музыкальным, язык которого отличается от других, между тем, он понятен и восхитителен. Смотри – стоило появиться группе Weather Report, как она выпрыгнула из этого болота конца 60-х – начала 70-х годов. Благодаря композиторскому таланту Уэйна Шортера и Джо Завинула в первую очередь.

Но там были и другие яркие личности, взять того же Жако Пасториуса…
Ну, Пасториус, на мой взгляд, яркого композиторского таланта не имел. Послушай его сольники. Ну, какой там глобальный замысел, какие там серьезные произведения? Конечно, как басист, он был гениален, спору нет. То, что он делал с бас-гитарой – это фантастика.
Количеством музыкантов, которое породил наш век, мы обязаны тому факту, что музыкальное образование стало доступным. С одной стороны, получили консерватории, с другой – огромное количество людей, которым, может, и музыкой-то не надо было заниматься. А они занимаются. И еще учат.
Раньше если музыкант чувствовал настоящее призвание, он мог начать заниматься ею и в двадцать лет. Но это было с таким огнем внутри! И появлялись такие титаны, как Модест Петрович Мусоргский или Милий Балакирев. Рихард Вагнер – почти неуч. Ага? Как вам такой неуч? Не было у него фундаментального образования в тот момент, когда он осмелился заняться композицией. Он свое что-то видел. Слышал глыбами, пластами! Вот кто и музыкант, вот кто переворачивает мир и музыку! Что периодически и следует делать. И этот процесс постоянно происходит. Периодически какой-нибудь гений эту дамбу и прорывает.

Когда-то ты очень хотел писать музыку для театра. И это случилось – я имею ввиду музыку для спектакля «Страх и нищета третьей империи» по произведениям Брехта. А потом музыка, чуть изменившись, перешла в репертуар Happy55. Ее-то мы и услышали на «Музэнерго». Откуда такая тяга к театру?
Я всегда считал, что музыка должна быть яркой, образной. Недавно смотрел документальный фильм с Александром Сокуровым. Меня этот человек глубоко восхищает и как художник, и как личность. Это кино другого времени. Сокуров правильно называет многих современных режиссеров «мерзавцами», говоря о том, что они используют самые примитивные рычаги воздействия на душу, останавливая тем самым развитие человека именно как существа духовного. Так вот, Сокуров высказал такую мысль, что самые крупные свершения нас ждут в творчестве композиторов. Верно на все сто. Ибо звук – самая необъяснимая и тонкая материя. Самая мощная. Она воздействует не просто на органы чувств или разум, а в самые сокровенные уголки души попадает.
И я тоже стараюсь. Стараюсь, чтобы у меня получалось делать то, что слышу и что задумал. Я очень ленюсь, конечно, но заставляю себя работать. И тот же Сокуров говорит – никогда ни у кого ничего не просите, ни поддержки, ни помощи. Только сами! Все, что сейчас можете выжать из себя – выжимайте. Все, что видите, слышите, чувствуете, надо реализовать. В этом как раз и есть честность.
Как изменится музыка и что это будут за свершения, никто не знает. Нет границ, нет пределов. Правила, стили и жанры нужны тем, кто пытается остановиться, кому сложно идти вперед и тащить на себе груз осознания того, что музыка не имеет границ. Человеку хочется покоя. Но есть и те, кому его не надо… Кому-то хочется прорыва – через работу, через постоянное недовольство собой, в первую очередь, через преодоление всех страхов «а вдруг не получится»… Сиди и занимайся, думай, работай. Если ищешь, то обязательно находишь то, что нужно. Обязательно. В этом даже нет никаких сомнений

Будет ли следующий «Музэнерго» в нашем городе? И зачем тебе, музыканту, понадобилось влезать во все эти организаторские дела?
Необходимо же, чтобы что-то происходило. Воронеж – город сонный, но большой и хороший. Ну, что это такое – одна «Джазовая провинция» на весь год и в городе, где миллион людей живет?
Помнишь, чем начался наш фестиваль? «Организаторы фестиваля выражают благодарность гражданину Бельгии, господину Жобару, гражданину Англии, господину Деларю, гражданину Германии Генриху Гебелю, а также нашему соотечественнику господину Александру Николаевичу Ладыгину. Также мы хотели бы особенно отметить и поблагодарить Георга Симона Ома, гражданина Германии, а также гражданина США Томаса Альву Эдисона за изобретение электрической лампы. Вас приветствует музыкальный аналог лампочки Ильича – фестиваль Музэнерго».
Так вот, «Музэнерго», как та лампочка, позволяет разглядеть музыкальное мировое пространство и услышать то, чего еще здесь и не было. Именно поэтому у него есть шанс стать одним из самых крупных и полезных в культурном отношении фестивалей. Им изначально занимаются люди, которые честны, компетентны и способны на авантюры. Я имею ввиду джазовых журналистов Юрия Льноградского и Татьяну Балакирскую. Многие хорошие начинания пострадали из-за того, что слишком близко к рулю подпустили маркетологов, которые стали «раскручивать бренд» и чихать хотели на музыку. То есть поставили телегу впереди лошади. Так вот, «Музэнерго» – этот тот фестиваль, с которым в ближайшем обозримом будущем этой беды не случится.

Почему-то все виденные мною немецкие джазмены (впрочем, не так много я их и видел) подчеркивают «фриковость» своего сценического облика. «Baby Bonk» – это человек с трубой, одетый в костюм, больше всего напоминающей пижаму, но с вычурным сине-лиловым галстуком, мешковатый и неухоженный студент с гитарой и работяга-гастарбайтер в кепке за ударной установкой. Как рассказали мне позже, трубач Мартин Клингеберг «по основному месту работу» пишет и играет музыку для пьес берлинских театров, ударник Михаэль Гринер преподает в джазовом колледже, третий, самый молодой участник, горячий финский парень Калле Калима – считается одним из лучших гитаристов своего поколения и участвует во множестве европейских музыкальных проектов (для российского турне он нашел окно между гастролями в Мексике и в Южной Корее). А еще они больше десяти лет играют втроем, в команде, название которой можно перевести как «детская мясорубка для плюшевых медвежат» («Baby Bonk»).

Что именно играют – на этот счет нет единого мнения ни среди слушателей, ни среди европейских музыкальных критиков. «Что такое Baby Bonk? Это игристый коктейль из фанка, джаза и поп-музыки. Это отношение к жизни. Это философия. А может, это просто увлекательный концерт в исполнении смелых и стильных парней», – лукаво уходит от определений Radio Eins. «Площадные клоунады, резкие политические заявления, легкая непристойность, гламурный образ, неприличные гитарные соло, хорошо отыгранное сумасшествие и простодушное веселье… Открыв для себя Baby Bonk, вы просто обязаны пересмотреть свои представления о музыке, или навести порядок в домашней фонотеке», – отзываются о команде джазовые журналы.

В Воронеж «бэбибонки» попали благодаря немецкому культурному центру имени Гете. Как пояснил координатор культурных программ центра Василий Кузнецов, одна из целей фонда – познакомить Россию с современным искусством Германии. Для этого проводятся выставки, кинофестивали, видеинсталляции и мастер-классы современного танца. «Насколько репрезентативны Baby Bonk для современной музыкальной жизни Германии? – перевел для себя мой невнятный вопрос Василий Кузнецов, – думаю, типичными их назвать нельзя…»

Если сравнивать с отечественным аналогами, шоу «Baby Bonk» близко к эксцентричному театру «АукцЫона». Мартин ведет себя на сцене как клоун-канатоходец. Оставаясь на месте, он кажется танцующим в стойке фехтовальщика и его духовые инструменты выглядят опасным оружием. Кстати, вы когда-нибудь видели, как можно петь в жерло трубы? Меланхоличный Михаэль на заднем плане подчеркивает стремительность фронтмена, однако его палочки и кисточки порхают как бабочки и (время от времени) жалят как шершни.

Однако первое отделение оставило меня довольно равнодушным: кого сейчас удивишь эксцентрикой и смешением стилей? Сегодня много кто умеет создавать хаос и развлекать себя и других бесконечным калейдоскопом: сейчас стеклышки легли так, потом эдак, потом еще как-нибудь. И лишь потом за бесконечными переменами начинаешь различать очертания собственного космоса группы. Это не очень уютный космос, близкий современному горожанину: нервный, хрупкий, в нем слишком много экспрессии, слишком много тревоги и нет очевидного смысла. Но – другого у нас пока нет. И Baby Bonk демонстрируют, может, не самый лучший, но, несомненно, достойный вариант жизни, центр которой – мастерство, любопытство и чувство юмора. Эдакий музыкальный Грегори Хаус.

Полагаю, лучше избежать перечисления музыкальных стилей и приемов, которые используют «бэбибонки» – он будет длинный, но не создаст никакого представления о изощренном звуковом салате из множества продуманных компонентов. С джазом его роднит разве что непредсказуемость – никогда не угадаешь, что придет этим парням в голову в следующую секунду: в мягкую, убаюкивающую колыбельную «Колыбельную» неожиданно вплетаются жутковатые звуки, напоминающие о ведьмах на помеле и бугимене, царапающем дверь, после чего взрывается оглушительная драм-бомба, изощренная дуэль солистов переходит дружные африканские плясовые (композиция «Холодная Африка» – очень может быть, что ее авторы думали про Россию, хотя сами они говорят, что про глобальное потепление).

«Именно так и должна звучать современная электронная музыка, – сообщил мне знакомый воронежский музыкант, встреченных в фойе Дома актера после концерта, – она должна рождаться в руках, а примочки нужны для того, чтобы помогать музыкантам реализовать свои возможности. Но чаще, увы, бывает наоборот – примочки оказываются на первом месте, а работа исполнителя сводится к тому, чтобы нажимать на кнопки и запускать программы».

Кстати, до сих пор наш город в орбиту акций центра Гете не попадал. «Я проезжал мимо воронежского театра оперы, очевидно, «главного» театра в городе, и обратил внимание на рекламные растяжки: Ирина Аллегрова, «Любэ» и еще несколько подобных, – поделился наблюдением Василий Кузнецов, – наверное, это не потому, что в Воронеже нет своих музыкантов и актеров. Просто зрителя для современного искусства нужно создавать. И это происходит, в регионах появляются центры современного танца, галереи, и – площадки для интеллектуальной музыки».

Как известно, для музыкантов хороши все жанры кроме скучного. Творчество берлинского трио «Baby Bonk» – отличный пример того, как непринужденно и весело можно смешивать стили и направления, которые высоколобые теоретики относят к абсолютно полярным – фанк и хард-рок, джаз и хип-хоп, ска и панк. Тем не менее, творчество самих «Baby Bonk» можно классифицировать, узреть корни и отнести к определенной школе – немецких эксцентриков. Истоки этого явления можно найти и в немецком театре и в немецком довоенном джазе, который столь мало походил на американского собрата – он был весел, угловат, несентиментален и склонен к буффонаде. А история же последних десятилетий сделала немецкую джазовую школу одним из интереснейших и ультрасовременных направлений современной музыкальной сцены.

И вот, вооруженные всем этим богатством – а понимания стилистики «Бэбибонкам» действительно не занимать – музыканты не постеснялись смешать и взболтать: хард-рок, фри-джаз, панк, ска, хип-хоп, свинг, кантри. Щедро приправили нотками театрального кабаре, битловскими темами, футуристической прямолинейностью и юмором, иной раз на грани приличия. Редко приходилось слышать столь лихо завернутый коктейль – но в результате получилась взрывная музыка, импровизация на смеси стилей и направлений. «Правильные» музыканты все ж таки стараются подходить к смешению более осторожно – но лихим немецким хлопцам море по колено. Результатом многолетней работы стало появление двух дисков – «Baby Bonk sagt die Wahrheit» и «Mama». Последний получил восторженные отзывы в Германии и вошел в число лучших CD месяца.

Концерт в Воронеже организован арт-группой «Квадрат» и Немецким культурным центром им. Гете.

17 апреля (суббота), начало в 18:00.
Дом актера, ул. Дзержинского, 5.
Билеты в кассах Филармонии, Дома актера, ТЦ “Детский мир”.
Стоимость билета: 300-600 руб.

Сайт группы «Baby Bonk»: http://www.babybonk.de
MySpace: http://www.myspace.com/babybonk

Рецензии на диск «Mama»:

«Драйвовая смесь танцевальной музыки, рока, джаза, латины и искрометного юмора. Четыре музыканта из проекта BONK, соединяющие юмор и искусство неодадаизма, создают удивительный проект – не то кабаре, не то музыка, которая ни один стиль не может назвать «своим». (Мартин Гус, Freies Wort )

«Baby Bonk уводит джаз от постмодернизма к первым выходкам дадаистов. Великолепная игра и многолетний опыт работы в ансамблях из Германии и других стран, позволяют музыкантам дерзить, и эта дерзость нашла себе применение. Площадные клоунады, резкие политические заявления, легкая непристойность, гламурный образ, неприличные гитарные соло, хорошо отыгранное сумасшествие и простодушное веселье – все это дает истинное наслаждение. Открыв для себя Baby Bonk, вы просто обязаны пересмотреть свои представления о музыке, или навести порядок в домашней фонотеке». (Вольф Кампманн)

«… Что такое Baby Bonk? Это игристый коктейль из фанка, джаза и поп-музыки. Это отношение к жизни. Это философия. А может, это просто увлекательный концерт в исполнении смелых и стильных парней». (Radio Eins)

Как известно, для музыкантов хороши все жанры кроме скучного. Творчество берлинского трио «Baby Bonk» – отличный пример того, как непринужденно и весело можно смешивать стили и направления, которые высоколобые теоретики относят к абсолютно полярным – фанк и хард-рок, джаз и хип-хоп, ска и панк. Тем не менее, творчество самих «Baby Bonk» можно классифицировать, узреть корни и отнести к определенной школе – немецких эксцентриков.

В составе трио – трубач Мартин Клингеберг, ударник Михаэль Гринер и гитарист Калле Калима. Результатом их многолетней совместной работы стало появление двух дисков – «Baby Bonk sagt die Wahrheit» и «Mama». Последний получил восторженные отзывы в Германии и вошел в число лучших CD месяца.

Концерт в Воронеже организован арт-группой «Квадрат» и Немецким культурным центром им. Гете.

Концерт в Воронеже:
17 апреля (суббота), начало в 18:00.
Дом актера, ул. Дзержинского, 5.
Билеты в кассах Филармонии, Дома актера, ТЦ «Детский мир».
Стоимость билета: 300-600 руб.

Сайт группы «Baby Bonk»: http://www.babybonk.de
MySpace: http://www.myspace.com/babybonk

Рецензии на диск «Mama»:

«Драйвовая смесь танцевальной музыки, рока, джаза, латины и искрометного юмора. Четыре музыканта из проекта BONK, соединяющие юмор и искусство неодадаизма, создают удивительный проект – не то кабаре, не то музыка, которая ни один стиль не может назвать «своим». (Мартин Гус, Freies Wort )

«Baby Bonk уводит джаз от постмодернизма к первым выходкам дадаистов. Великолепная игра и многолетний опыт работы в ансамблях из Германии и других стран, позволяют музыкантам дерзить, и эта дерзость нашла себе применение. Площадные клоунады, резкие политические заявления, легкая непристойность, гламурный образ, неприличные гитарные соло, хорошо отыгранное сумасшествие и простодушное веселье – все это дает истинное наслаждение. Открыв для себя Baby Bonk, вы просто обязаны пересмотреть свои представления о музыке, или навести порядок в домашней фонотеке». (Вольф Кампманн)

Михаил Молочников – российско-германский художник, родился в Москве в 1963 году. В 1984 году окончил Московский архитектурный колледж. С 2004 года – член Немецкого союза художников ВВК. Живет и работает в Германии, в Берлине c 2001 года.

Виталий Пацюков о художнике Михаиле Молочникове:

«Заканчивается 20-е столетие. Hаступает вечерение мира, образование в его сумерках множества тайных, интимных духовных миров. Искусство окутывается тайной, приобретает потустороннее зрение. «Сова Минервы вылетает в сумерки», – любил повторять Гегель. Немногим художникам удается выразить это уникальное состояние времени, когда исчерпывается историческая идея и расцветает метафизичесая, когда исчезает прожорливая гусеница цивилизации и неожиданно выпархивает ее бессмертная душа – культура.

Творчество Михаила Молочникова принадлежит этой уникальной фазе истории, этой сфере прозрения, когда заостряется метафизическая чувствительность к последним вопросам бытия. Отсюда и его внутренние искания – гностицизм и герметизм, магия и метафизика, органичное сближение неопифагорейства с искусством дзен и тантризмом. Собственно саму жизнь художника невозможно отделить от его творчества – она не менее загадочна, чем его искусство и полна таинственных знаков и мистических происшествий – как бы слепок с его сакральных масок и лабиринтных структур.
Созерцая картину мира, он ищет опору в доренессансных культурах, когда оптическое и дистанцированное восприятие мира не являлось верховным арбитром. «Мы – существа незримые», – вслед за Метерлинком повторяет Михаил Молочников. Композиции художника хранят в себе мир зазеркалья, и достаточно сделать шаг, чтобы очутиться с обратной стороны реальности, в мире духовных и таинственных сущностей, сопричастных миру Борхеса и Набокова. Его инструментарий включает в себя сны, свободные ассоциации, высвечивание фундаментальных слоев подсознания, вторжение в самые заповедные глубинные сферы психического. Встает подлинная всеобщность образов, получающая иногда вселенскую масштабность, генерируя образы мандалы. Отсюда и «праздничное безумие» художника, и парадоксы, и вызывающая эксцентричность, срифмованная с медитативностью, и непокорная насмешливая игровая свобода, что опрокидывает все нормы и правила.
Безусловно, эта художественная система связана стилистически с постмодернизмом, его «магической» линией, рационализацией иррациональных сил. Она актуализирована ситуацией, когда предчувствуются коренные изменения, когда нарушаются устойчивые жизненные уклады и происходит глубокие сдвиги, как сегодня в России.

Однако, в отличие от многих своих современников, Михаил Молочников не прикован к ситуации, замкнутой определенными датами. В его работах далекая, в сущности, временная перспектива. Это поэтика вечных и неизменных начал жизни, проходящих, как катарсис, через хаос и алогичность, ведущая в конечном счете к глубоко положительным и конструктивным результатам.
Какую информацию сообщают композиции Михаила Молочникова? Заглядывая в будущее, мы, современники мастера, задаем вопрос, смогут ли наши потомки в зеркале его книг, масок, лабиринтов, ширм получить представление о людях нашего времени и о нашей жизни ? Очевидно, это будет совершенно особая информация – о том, как люди видели себя изнутри, об их сомнениях и страхах, об их предчувствиях и самопредостережениях, об их самоиронии, и об их вере в устойчивые ценности».

Основные персональные выставки Михаила Молочникова
в Москве:
2000 г. – «Танцы Кали-Юги», галерея «Дом»;
1999 г. – «Чувственное проникновение», отель Гранд-Мариот;
1997 г. – «М-16», галерея «Велта»;
1996 г. – «Птицы-рыбы», галерея «Велта» и галерея «Дар»;
1995 г. – «House of Shchukin», муниципальная галерея «Геликон»;
1992 г. – «Тайные знаки», галерея «А 3»;
в Германии:
2005 г. – «Объекты и рисунки 1999-2005»”, Gallery «GAD»;
2006 г. – «22», Gallery GAD.

Участник более чем 70 групповых выставок (в т.ч. международных бьеннале и международных книжных ярмарок) в России, Германии, США, Японии, Великобритании, Франции, Польше, Македонии, Египте.

Основные музейные собрания, в которых находятся работы художника:
в России – Государственный Русский музей (Санкт-Петербург), Государственная Третьяковская галерея, Государственный музей изобразительных искусств им. Пушкина, Государственный центр современного искусства (ГЦСИ), Музей АRТ 4, Государственная библиотека им. Ленина (Москва), Государственная Калининградская художественная галерея (Калининград);
в США – Kolodzei Art Foundation, Нью-Йорк; Special Collections Librarian / Joan Flasch Artists’ Book Collection, Чикаго;
в Германии – The State Museum-Kupferstichkabinett, Берлин; Reinhard Grüner, Мюнхен; Gutenberg-Museum, Майнц;
в Египте – The Alexandria library, Александрия;
в Македонии – Museum of Contemporary Art, Скопье.

Выставки современного искусства в ВУЗах – это и новый источник информации, идей и эмоций; и событие, вдохновляющее и поддерживающее атмосферу неформальной социальной, культурной, научной коммуникации студентов, преподавателей, сотрудников; и «стимул», повышающий роль и значение визуального искусства в отечественной культуре.

Как бы ни поражали разнообразием форм, и как бы внешне не отличались книги художника от привычных, хорошо знакомых и с детства любимых зрителями книжек в переплетах, в основе всех экспонируемых на выставке работ лежит «идея книги». Без обращения художников к идее и образу книги, демонстрируемые на выставке работы просто не родились бы, вместо них возникла бы серия графических листов или скульптура, или что-то еще, а не книги художника, – это принцип их создания.
Сегодня «книгой художника» занимается множество людей. Видимо, это такая область творчества, в которой многие современные художники интуитивно чувствуют себя столь же интимно, столь же свободно и так же защищены от тотальной агрессии окружающей среды, как чувствовали себя когда-то, в 1960–1980-е годы, те люди творческих профессий, которые со службы в госучреждениях сознательно уходили работать дворниками, сторожами, операторами котельных. Можно предположить, что расцвет книги художника, который мы сегодня наблюдаем, – это явление гуманистического «этажа» современной культуры, вызванное потребностью и самих художников, и зрителей, и самой культуры в «жанре-убежище». По афористичному и парадоксальному выражению одного из участников выставки, «книгой художника» художники защищаются «от агрессии современного искусства» и, добавим, агрессии современной жизни. Доля истины в этих словах есть: уже сама демонстрация выставок книг художника в каком-либо месте делает, как мы неоднократно замечали, атмосферу этого места более доброжелательной, гуманной, благородной.

В пространстве Университета и Зональной библиотеки ВГУ выставка «Ручная книга» включается в контекст университетского образования и существующего и формирующегося в среде современных учащихся отношения к не присутствующим в Интернете текстам (попросту говоря, книгам на бумажных носителях) почти как к артефактам «первобытной археологической культуры». В противоположность подобному отношению, выставка «Ручная книга» дает зрителям возможность увидеть и интуитивно почувствовать «материю книги» (ее образность, эстетику, конструкцию, вещественность) не как технически и морально устаревшего средства хранения и передачи информации, а как неиссякаемого источника и объекта эстетического наслаждения и интеллектуального интереса, «первоатома» космоса культуры. Авторские книги художников наглядно демонстрируют, что возможность держать их в руках, осязать их фактуру, разглядывать иллюстрации, любоваться построением и соотношением элементов на странице, особенностями шрифтов, текстурой бумаги, переплетом, ощущать запах печати не заменимы текстами на экране компьютера. Разница между словами: УДИВЛЕНИЕ необычно сделанной книгой и УВЛЕЧЕНИЕ хорошими изданиями книг – всего в несколько букв.

Участники выставки «Ручная книга»
художники: Никита Алексеев, Татьяна Антошина, Вагрич Бахчанян, Михаил Бенсман, Василий Власов, Флавио Гарсандия, Эдуард Гороховский, группа «Перцы» (Олег Петренко и Людмила Скрипник), Александр Джикия, Георгий Кизевальтер, Валерий Корчагин, Николай Кращин, Виктор Лукин, Александра Лунякова, Игорь Макаревич, Алексей Мальцев, Михаил Молочников, Ры Никонова (Анна Таршис), Валерий Орлов, Петр Перевезенцев, Михаил Погарский, Дмитрий Пригов, Олег Прокофьев, Александр Свирский, Анатолий Семенов, Наталья Синева, Владимир Ситников, Наталья Смолянская, Владимир Смоляр, Александр Стройло, Андрей Суздалев, Юлия Табенская, Анна Тагути, Леонид Тишков, Дмитрий Теселкин, Алексей Трубецков, Ольга Хан, Вера Хлебникова, Генрих Худяков, Игорь Чацкин, Эвелина Шац, Игорь Шелковский, Владимир Шишков, Гюнель Юран, Сергей Якунин;
ученики школы №109 г. Москвы: Даша Зорина, Василий Кармазин, Павел Пухно, Маша Самотина.

Надеемся, что выставка «Ручная книга» станет для студентов, преподавателей и сотрудников Воронежского государственного университета источником новых эстетических и интеллектуальных впечатлений, предметом удивления, а возможно и «подтолкнет» кого-то из зрителей к библиофильству, к коллекционированию авторских книг художника или даже к их созданию.

Юрий Самодуров, Виктор Лукин (Москва)

Выставка «Ручная книга» будет работать со 2 по 23 апреля 2010 г.
Вход свободный.

Музей истории ВГУ
ВГУ, корпус №1, Университетская пл., 1 (второй этаж).
Время работы: понедельник-пятница с 10:00 до 17:00.
Тел. для справок: 208-313.

Открытие выставки «Ручная книга»: 1 апреля в 15-00.

Выставка организована Государственным центром современного искусства (ГЦСИ), Москва, Воронежским государственным университетом (Зональной научной библиотекой ВГУ), Арт-группой «Квадрат» (Воронеж) и Экспертным центром «Стратегия» (Воронеж).

Некоторые экспонаты выставки: